Летом 2019 года в залах Приднестровского государственного художественного музея Бендер открылась выставка живописи из музейной коллекции – «Оранжевый уровень».
За более чем 40 лет в художественном музее сложилась очень интересная коллекция. Из тысячного собрания живописи было представлено 50 картин.
Символично название выставки и не случаен её противоречивый состав. В неё вошли картины художников различных национальных культур, школ, стилей и направлений изобразительного искусства.
Идея создания этой неоднозначной, спорной и довольно любопытной выставки принадлежала директору музея, Егоровой Наталье Владимировне. Её воплощение стало возможным благодаря целенаправленной собирательской работе специалистов музея с 1972 года: Г.М. Лазаревича, Н.В. Огорелковой, Т.А. Морозовой, Т.К. Шабардиной и Г.С. Чибук. и благодаря их стремлению создать художественный музей современного искусства. Поэтому сегодня Приднестровский государственный художественный музей играет одну из ведущих ролей в культурной жизни нашей Республики.
История музея начиналась в 70-ых годах XX века, когда «музейный бум», как шквал «оранжевого уровня» накрыл колоссальную территорию Советского Союза. Музеи, картинные галереи, выставочные залы создавались повсеместно. Это позволило сохранить культурное и историческое наследие многонационального государства, укрепить и обогатить духовные связи между народами, расширяя территорию высокого искусства. Идеей всеобщего духовного братства прониклись тогда буквально все творческие союзы многонациональной страны, так же, как в конце XIX века, прогрессивные идеи передвижников сплотили в Товарищество разрозненные творческие силы русских художников.
Во многих провинциальных городах Советского Союза, расположенных в тысяче километрах от его культурных столиц, Москвы и Ленинграда, были созданы настоящие центры искусства, которые, как молодые побеги, крепко и глубоко врастали в культурную почву искусства большой страны.
На волне «музейного бума», 1 августа 1971 года решением Совета Министров МССР была учреждена Бендерская картинная галерея. За свою 48-летнюю историю она реорганизовывалась, переименовывалась и, с 2013 года, была преобразована в Приднестровский государственный художественный музей.
Первым директором Бендерской картинной галереи был назначен Алексей Васильевич Лосев, человек высокой культуры и тонкого художественного вкуса. Бывший кадровый военный, прошедший финскую и Великую Отечественную войну, он всей душой проникся любовью к изобразительному искусству и до конца служил делу по его сохранению и популяризации.
Стратегия развития Бендерской картинной галереи, намеченная А.В. Лосевым изначально, была нацелена на формирование и пополнение музейной коллекции произведениями изобразительного искусства высокого класса. Произведения, вошедшие в музейное собрание, должны были отвечать следующим требованиям: выражением правды жизни всеми средствами изобразительного искусства, соответствием их формы содержанию, высокохудожественной культурой исполнения произведения, независимо от того к какому стилю изобразительного искусства оно относится. Критерии отбора произведений искусства в музейную коллекцию, принятые коллективом научных сотрудников ещё в 70-ые, актуальны и по сей день, они опираются на принципы научного и философского понимания искусства прошлого и настоящего, на осознание силы искусства, как наиважнейшего «оружия» против очерствения души и оскудения разума.
Научные сотрудники художественного музея (Н.В. Егорова, Т.К. Шабардина, Г.С. Чибук и др.) постигали специфическую науку музейного дела в Государственной Третьяковской галерее, Государственном музее изобразительного искусства им. А.С. Пушкина Москвы, в Эрмитаже и Русском музее Ленинграда, в музеях Прибалтики, Украины и Молдавии.
Собирательская деятельность музейных работников прокладывала новые географические маршруты по городам союзных республик. Фондовая коллекция пополнялась при содействии Министерства культуры СССР и МССР, Дирекции всесоюзного производственно–художественного комбината им. Е.В. Вучетича, а также за счёт личных связей музейщиков с известными художниками Советского Союза.
Последняя треть XX века стала «золотым временем» в истории развития и собирательской деятельности художественного музея. Именно в советский период у провинциальной картинной галереи была реальная возможность формировать собственную коллекцию современного изобразительного искусства произведениями выдающихся советских художников, среди которых И. Билибин, В. Стожаров, А. и С. Ткачёвы, Д. Налбандян. Л. Гервиц, Л. Кранц, М. Аникушин, В. Цигаль, Д. Умарбеков, М. Дерегус, А. Садовский, М. Греку, И. Виеру, Э. Романеску, И. Богдеско, Л. Григорашенко.
Так было до 90-ых годов, до наступления исторических испытаний и общественных потрясений, выпавших на долю всех народов бывшего Советского Союза. Колесо своего развития человечество развернуло в сторону инновационного виртуального прогресса, сомнительного креативного творчества и тотального потребительства. Таким образом, искусство последнего десятилетия XX века оказалось обесточенным, ему «перерезали провода» жизнеобеспечения, благодаря которым оно «дышало». Искусство стран постсоветского пространства, искусство приднестровских художников лишилось бесценных исторических и культурных связей.
Общечеловеческие ориентиры на созидание, на выражение правды жизни в искусстве оказались сбиты. Идеология капитала ловко подменила правду жизни в искусстве на сладкую иллюзию искусственной жизни, а высокую идею духовного братства народов, товарищества в искусстве извратила и представила непригодной для жизни в современном мире. Каждый сам за себя, каждый сам по себе! Художники стали частью информационного пространства, как очередное виртуальное приложение, удовлетворяющее потребности каждого пользователя. Главный творческий посыл теперь стал иным: творцы, совершенствуйтесь в виртуозной, искусной технике, довольствуйтесь красивыми видами, эффектными ракурсами, всё остальное – не в счёт; поражайте воображение искушённых любителей брендового искусства, изощряйтесь, и будете успешными, знаменитыми и богатыми.
Положение многих современных художников, чьи идеалы не совпадают с общепринятыми глобальными лозунгами о счастье, оказалось унизительным. Они вынуждены противостоять «оранжевому уровню» капиталистического мировоззрения в одиночку. Не секрет, что массовая идеология любого общественно-политического строя всегда пагубно влияет на художника – творца, насильственно ограничивает его личную и творческую свободу, действует в интересах существующего аппарата власти и капитала. Но парадокс высокого искусства в том и состоит, что творческую волю, по сути безоружного и нищего творца, ни одна система и идеология сломить не в состоянии. Тому есть множество доказательств на примере жизни и творчества многих художников разных эпох, стилей и направлений, перечислять которые в рамках данной статьи не представляется возможным.
Попробуем доказать это на примере выставки «Оранжевый уровень», которая неоднозначным составом экспонируемых произведений подтверждает эту мысль.
Почему «Оранжевый уровень»? Семантика цвета, как понятие художественное и психологическое, уже давно вошла в нашу жизнь. Символика и язык цвета был изобретён ещё нашими далёкими предками, собственно это одно из многих наследий прошлого, которым так вольно пользуется современное общество. Все наши органы чувств: обоняние, осязание, слух, зрение первыми вступают в контакт с внешним миром, реагируя на него сообразно своему уровню восприятия. Любой цвет, как правило, буквально «взрывает» нас изнутри, рождает массу воспоминаний, ассоциаций, связанных со звуками и запахами. А ведь цвет - это просто преломлённый сквозь призму свет, который воспринимается сетчаткой нашего глаза. Но, обладая поразительным свойством проникать в наши души, он даёт толчок нашим мыслям и воображению. Видимо физиологические свойства цвета, его богатый диапазон воздействия на все органы чувств и позволили специалистам самых разных областей знаний использовать его, как вид сигнала и оповещения, как некий живописный язык эсперанто.
Таким цветовым кодом является и «оранжевый уровень», принятый в метеорологии, как признак, обозначающий чрезвычайную опасность надвигающихся природных явлений (шквал, ливень, метель и т.д.), который сегодня понятен жителям всех континентов.
В основе идеи выставки «Оранжевый уровень» лежит необходимость разобраться в стилевых, идеологических и творческих противоречиях современного изобразительного искусства.
Название «Оранжевый уровень» метафорично, собственно, как и всё искусство. Оранжевый, как смесь красного (опасность) и жёлтого (осторожность), а также его бесконечные градации ассоциируются с движением и противодействием. Современное изобразительное искусство и процессы, происходящие в нем, до предела насыщены продуктами массовой виртуальной культуры. Старые и новые стили буквально переплетены между собой, что даёт неограниченные возможности для творческой реализации каждого из нас. Люди, не художники, буквально купаются в информационном творческом изобилии, доступном любому пользователю интернета. И ничего нового, в историческом понимании этого процесса, здесь нет.
Почти 200 лет назад, в середине XIX века, в изобразительном искусстве Европы и России появились новые стили и направления – критический реализм, импрессионизм, кубизм, авангард и т.д. Возникла целая россыпь творческих идей и открытий, доселе невиданных и невозможных. Сколько было во всём этом новаторства и поразительных художников, открывших новые стили и новую философию искусства. Достаточно вспомнить некоторых из них. Французские художники Г. Курбе, К. Писсаро, К. Моне, П. Сезанн, В. Ван Гог, П. Гоген, русские – В. Перов, И. Крамской, И. Репин, В. Суриков, В. Серов и многие другие.
В России, начиная с 1917 года, многие из перечисленных стилей вошли в художественную жизнь молодого Советского государства и стали успешно развиваться. Но, как часто бывает с обещанной всеобщей свободой – её просто «отменили». И, начиная с 30-х годов ХХ века, в советском изобразительном искусстве стал господствовать официальный стиль «соцреализм» – единственно признанный, обязательный и последовательно насаждаемый всем художникам всех видов искусства. Любая идеология навязывает свой стиль, возвеличивая угодивших ей творцов, жестоко наказывая тех, кто противится ей. В этом смысле человечество не поумнело, оно продолжает создавать себе кумиров, будь то стиль, личность или вера в сверхъестественное.
О пользе и вреде официальной идеологии уже много написано историками и философами, но мы попытаемся рассмотреть этот вопрос с точки зрения конфликта художника и времени, в которое ему довелось творить. Тема эта вечная, на все времена, ведь она всегда остра и конкретна, а значит, актуальна и современна.
На примере произведений из фондов музея, при условии их глубокого изучения и анализа, можно собрать целостную картину пусть небольшого периода времени, но представляющую яркую картину развития современного изобразительного искусства за прошедшие полвека.
Впрочем, такого же анализа требует и сама выставочная деятельность музея за весь прошедший период. Приднестровский государственный художественный музей открывал и продолжает открывать выставки проблемные, неоднозначные, требующие осмысления и понимания, как профессионалов, так и зрителей. Музей, ещё с первых лет своего существования, организовывает выставки произведений художников различных стилей и направлений изобразительного искусства. Это даёт возможность наглядного представления и глубокого анализа процессов, происходящих в жизни и в искусстве.
Выставки «И это всё о Еве» (1993 г.), «Женское лицо искусства» (2015 г.) были посвящены роли женщины в искусстве. С одной стороны, образ женщины рассматривался, как модель – объект восхищения художников. С другой стороны, личность женщины – творца, чьё творчество часто называют «женским искусством», умаляя созидающую роль женщины – художника.
Экспозиция «Наследники Пиросмани» (1993, 2011г г.) возникла, как возможность анализа и оценки творческого вклада непрофессиональных художников в копилку мирового искусства.
Интересными, многоплановыми, любопытными и большими по формату и циклам, по продолжительности экспозиционного времени, были фондовые выставки:
- «Поиск и стиль» (2006 г.), к 35-летнему юбилею со дня образования художественного музея;
- цикл выставок «Достояние республики» (2011 г.) к 40-летию художественного музея («Искусство 70-ых годов», «Искусство 80-ых годов», «Искусство 90-ых годов», «Искусство первого десятилетия XXI века»);
- цикл выставок «Сорок плюс пять» к 45-летнему юбилею (2016 г.): («Юбилейный альбом», «Начало»);
- «Колесо истории» (2017 г.) к 100-летию Великой Октябрьской социалистической революции.
В залах Приднестровского государственного музея не раз организовывались выставки уникального фондового собрания графики: «Русская гравюра XIX века» и «Западно-европейская гравюра XVIII-XIX вв.».
Выставка «От Мейсена до Шемякина» (2017 г.) вызвала небывалый за последние годы общественный интерес к изобразительному искусству. В залах музея было сконструировано особое пространство для общения зрителей с искусством. Посетители музея получили возможность одновременно погрузиться в искусство графики и фарфора периода от XVII до XX веков.
Своим составом экспонируемых произведений выставка «Оранжевый уровень» формирует и подтверждает мысль о вечности и неразрывности общечеловеческих культурных и исторических связей. В её состав вошли фондовые произведения второй половины XX - начала XXI вв. художников из России, Белоруссии, Эстонии, Латвии, Армении, Узбекистана, Украины, Молдавии и Приднестровья. Это ещё одна выставка фондовой живописи, которая демонстрируюет уникальность музейной коллекции, требующей глубокого изучения и популяризации всеми доступными средствами информации: интернет, печать, телевидение. Благодаря таким выставкам становится очевидным тот факт, что собрание Приднестровского государственного художественного музея располагает бесценным культурным пластом, хранящим много вопросов и дающим веские ответы на вызовы современного виртуального искусства.
Тематические картины, пейзажи, натюрморты, портреты, представленные в четырёх музейных залах, не просто разнообразны, они аутентичны, прежде всего, своим подходом в решении художественных задач. При беглом взгляде может показаться, что представленные живописные полотна – калейдоскоп ярких красок, форм, идей. Однако внимательно вглядевшись в суть каждой из представленных картин, начинаешь понимать, что в них живёт дух противоречивого ушедшего века, в них мы – сегодняшние, современные, цифровые. Выставка доказывает, что мы, также как древние художники, выразившие своё отношение к реальному миру на стенах пещер, остро нуждаемся в живых, неувядающих шедеврах и художниках, умеющих возвышать правду жизни до высоты произведения искусства.
Мировая история изобразительного искусства неотделима от истории человечества в целом, этот факт не требует доказательств, как и тот, что все стили и направления изобразительного искусства имеют общую корневую систему – реальность, которую, так или иначе, берет за основу художник любой исторической эпохи и любого художественного стиля. Реальность, преломлённая сквозь призму личности творца, приобретает те черты, которыми наделяет её художник. Исторические цивилизации и эпохи развития человеческого общества окрашивают своё время в свои краски, представляют и выражают объективную реальность в искусстве сквозь призму своих идеалов всеми доступными им средствами.
Художники, чьи произведения вошли в экспозицию фондовой выставки «Оранжевый уровень» – представители советской эпохи, современники стиля «социалистический реализм». Все ли они – адепты данного стиля? Живописные произведения, представленные на данной выставке, отвечают на этот вопрос голосом своих создателей, их жизнью, их искусством.
Российскую школу изобразительного искусства представляют произведения таких мастеров, как В.Ф. Стожаров, И.И. Витман, Г.М. Манизер, В.Н. Челомбиев, Н. Е. Ватагин, Г.Ф. Фадин, В.С. Казарин.
В золотой фонд музея входят произведений заслуженного деятеля искусств СССР Владимира Федоровича Стожарова (1926-1973), классика советской реалистической живописи. Он родился 3 января 1926 года в Москве. Получил образование в Московском государственном художественном институте им. В.И.Сурикова. Его имя в истории искусств, связано с большой темой, посвященной русскому северу, которую он решал по-стожаровски мощно. К таким пейзажам относится «Ярославль. Храм Рождества Христова»(1970) [илл.1]. В данном архитектурном пейзаже, в крепости стен храма, в монолитности сооружения, в скупом ритмическом повторе деталей звучит не только красота и своеобразие российских памятников архитектуры, но и крепость духа российского народа, своеобразие русской культуры. Пастозная лепка, суровый колорит работы подчеркивают замысел автора.
Московский художник, заслуженный деятель искусств РСФСР, Гуго Матвеевич Манизер (1927-2017) будто на одном радостном дыхании пишет «Цветные фасады Таллина»(1962) [илл.2]. Художник в третьем поколении, бывший профессор кафедры рисунка Суриковского института, искусствовед, он буквально вырос на лучших образцах мирового изобразительного искусства. Коренной ленинградец, проживший всю жизнь в Москве, он много и часто путешествовал по стране, знал многие её потаённые уголки и любил всё, что открывалось его взору. Одним из излюбленных жанров в творчестве Гуго Манизера был пейзаж. Он умел видеть красоту в самых простых, казалось бы, ничем ни примечательных уголках природы, городов и деревень. «Цветные фасады Таллина» залитые лучами жгучего заходящего солнца, не носят на себе отпечатка высокой архитектуры, это обычные дома, каких много в Прибалтике, но какой след их вид оставил в душе художника! Сказочный город красок возник на холсте, сразу, вероятно в один приём, так, во всяком случае, рассказывал о своём методе работы над пейзажем сам автор. Главное, говорил Гуго Матвеевич, не пересушить пейзаж. Но жаркое лето грешит этим довольно часто.
Известно, что художник-пейзажист обязан быть в какой-то степени и путешественником и исследователем. Таким исследователем жизни и предстаёт автор тематической картины «По Таджикистану. Воскресный день» (1968) [илл.3], московский художник-монументалист Валентин Нестерович Челомбиев (1935 г.р.), заслуженный деятель искусств РФ, профессор Суриковского института. В 80-ые годы он возглавлял секцию монументальной живописи Дирекции выставок СХ СССР. Необходимо было много ездить по стране, отбирая на выставки лучшие произведения изобразительного искусства, создаваемых художниками в многонациональных республиках Советского союза. Однако любовь к путешествиям, к изучению жизни и людей была заложена ещё в пору его ученичества в Суриковском институте во время пленэрных поездок по стране с целью изучения, кстати говоря, и истории изобразительного искусства. Как говорил сам Валентин Нестерович, он изъездил страну от Москвы до Дальнего Востока, от Енисея, до Архангельска. Теперь становится понятно, почему картина «По Таджикистану. Воскресный день» появилась в творчестве московского художника. В. Челомбиев добивается правды изображения ясностью форм, не обременённых излишними деталями и подробностями, что дало возможность точно передать характер природы, архитектуры, а так же уловить облик народа Таджикистана. Позы людей, их национальные одежды, традиции, органично соединились с декоративно-цветовым решением картины. Цвет взят лаконично, максимально плотно, насыщено и густо, под стать знойному азиатскому лету. Художник выбрал для изображения время на закате дня, когда испепеляющее и поглощающее все краски солнце, возвращает цвет миру, уступая небосвод звёздной ночи. Чувствуется, что автор нашёл верное решение для передачи в картине своего удивления и восхищения увиденным. Красные, оранжевые, коричневые краски чередуются с синими и чёрными, и это вносит определённое внутреннее напряжение, которое возникает у любого из нас при встрече с чем-то новым и непознанным. И зритель видит именно Таджикистан с его самобытной культурой и природой. Точная передача средствами изобразительного искусства сути культуры другого народа, а не просто её подобия, вот что отличает настоящего мастера от простого подражателя.
Редко картина ленинградского художника, Геннадия Фёдоровича Фадина (1941 г.р.) «Купание коней»(1972), экспонируется на фондовых выставках художественного музея. Происходит это потому, что в силу своего мощного пластического решения данная работа требует отдельного её показа. Синий монохром, обогащенный тональными градациями, не выглядит скучным и холодным. Наоборот, Фадин, выпускник мастерской Е. Моисеенко Ленинградской Академии художеств им. И. Е. Репина, вносит в композицию свет тёплой лунной ночи, умело работая кистью, как карандашом. Здесь диктует рисунок. Линии, мазки-штрихи ложатся грамотно, не размывая цельности и не внося хаоса в достаточно экспрессивную композицию картины. Художник сумел сделать главное, раскрыть тему «Купания коней» через передачу восторга молодости перед свободой большого жаркого лета. Реалистическая школа, которую прошёл Геннадий Фадин, дала ему возможность показать интересную пластику движения животных и людей. А произвольное ограничение цветовой палитры говорит о творческом поиске молодого художника в технике живописи. Его творческая судьба уготовила ему много открытий в мире изобразительного искусства. Его считают художником широкого диапазона, а о себе он говорит, что для него важно постоянное обновление в искусстве, поиск новых ракурсов видения, новых тем.
Такими же поисками новизны тем, техник и стилей в изобразительном искусстве заняты художники, чьи произведения продолжают экспозицию данной выставки.
Поиск новых средств выразительности занимают художника всю жизнь. Какое слово ещё не сказано в изобразительном искусстве? Каким это слово может и должно быть? Вот вопросы, на которые художники ищут ответ, пробуя себя в разных видах, жанрах, стилях и направлениях. Этот путь чреват разочарованиями в себе самом, но, в тоже время, он прекрасен раскрытием в себе новых творческих сил и открытием, казалось бы очевидных истин. Работы московского художника Николая Евгеньевича Ватагина (1959 г.р.): портрет «Маша» (1986) [илл.4] и пейзаж «Вечер» (1989) [илл.5] камерны и невелики по размеру, но в них чувствуется правда и искренняя любовь художника к личности, пейзажу, вдохновившие его своею внутренней красотою и глубиной содержания. Николай Ватагин, художник в четвёртом поколении, внук знаменитого графика и скульптора Василия Ватагина, родился и всю жизнь живёт в Москве. В свой город, в Россию влюблён безгранично – это культурно-исторический фундамент его жизни и творчества.
Сам художник признается: «Портрет для меня – это и сам человек, и форма в пространстве. Чтобы написать его, мне необходимо мужчину уважать, а женщиной восхищаться. Всегда стремлюсь написать человека как можно красивее и лучше, но некоторые почему-то обижаются, воспринимая свое изображение как насмешку. Меня это огорчает. Работаю я долго, пытаясь найти более адекватную форму, отбросить все лишнее, довести вещь до знака».[7]И тогда становится ясным пластический язык и средства выразительности, которые избрал в своём творчествеавтор портрета «Маша». Это переложенная на язык живописи любовь к модели, выраженная через любовь к творчеству таких разных художников, как И. Репин и К. Малевич. Организация рельефа человеческого лица в пространстве, постижение его формы и, конечном счете, доведение изображения до некой философской формулы, которая выражается линией и цветом.
Впейзаже «Вечер» он выражает ту же любовь, что и в портрете. Без российских деревень и городов, без русской иконописи, церквей он не мыслит себя, не мыслит своего творчества. О пейзаже Н. Ватагин говорит: «Часто я пишу церкви, они для меня суть Москвы. Каждая из них как живой человек со своим характером и идеей. В работе я пытаюсь передать то ощущение восторга, которое охватывает тебя, когда вдруг начинаешь постигать смысл вещей. Бывает это, к сожалению, нечасто. Пейзаж для меня - это состояние души. По убеждениям я консерватор-охранитель. Себя воспринимаю только в контексте русского, а точнее московского искусства. Редко бываю за границей, при всем восхищении увиденным там на третий день хочу обратно. Сам по себе, без России я жить не могу».[7]
Последователем Джеймса Поллока, американского художника-экспрессиониста, является московский художник, Виктор Семёнович Казарин (1948 г.р.), основатель русского неоэкспрессионизма и постсупрематизма. Одна из его абстрактных картин представлена в этом зале «Цветы на красном»(1988) [илл.6]. Он родился и до сих пор живёт в Москве. Учился на художественном отделении педагогического института. С 1976 года – член Московского профсоюза художников-графиков и постоянный участник знаменитых выставок на Малой Грузинской.
В 1991 году в Московском Манеже прошла огромная ретроспективная выставка Виктора Казарина, где было представлено более шестисот его холстов. С этого времени художника называют отцом русского неоэкспрессионизма, говоря о нем, как о новом явлении в искусстве.
В 2003 году, обогатившись языковыми открытиями абстракционизма, кубизма, сюрреализма и постимпрессионизма, Казарин становится основателем направления русского постсупрематизма. Постсупрематизм дал еще больше духовной жизни всем существующим течениям авангарда и стимулировал их развитие.
По словам самого Виктора Казарина, суть его творчества "писать так же легко и свободно, как дышать, чтобы живопись сама лилась из тебя". И эта свобода венчает его почти 50-летний творческий путь.
Художник говорит: «Вдохновение — процесс скоротечный, длится 10–15 минут. Надо его ловить и быстро реализовать. Дольше просто сердце может не выдержать напряжения. И здесь многое зависит уже от мастерства. Отсюда этот метод быстрого письма. Но мастерство — это еще и громадная работоспособность, и труд с перенапряжением. Раньше я рисовал по 18 гуашей в день. Бывало, получались все одна к одной. В те годы я просто наполнялся искусством. В 1987–1988 годах я мог делать до 5 живописных работ в день. И так работал почти каждый день, до полного изнеможения». [6]
Искателями лаконичных средств выразительности выступают латвийские художники: У. Земзарис, П.П. Постаж и эстонский художник В.Г. Пирк, чьи произведения также вошли в состав выставки «Оранжевый уровень».
Автор тематической картины «Песня молодых»(1969) [илл.7] – живописец, член СХ СССР, известный эстонский художник Вармо Георгиевич Пирк (1913-1980) (до 1938 года Валентин Бирк). В 1960-х годах на творчество эстонских художников, как и на художников всей Прибалтики, сильное влияние оказал «суровый» стиль. Несмотря на поэтическое название, фигуративная композиция погружена автором в условно безвоздушное, тревожное пространство. Фигуры молодых людей, данные локальным рисунком, и цвет, взятый намеренно декоративно, создают атмосферу безысходности и холода. Усиливает это ощущение изображение бескрайнего моря в монотонном беге тёмно-изумрудных волн. Пространство картины не озаряется ни одним лучом тёплого солнца, которое, безусловно, присутствует здесь, но это можно только почувствовать. Зная историю жизни Вармо Пирка, можно предположить, что «Песня молодых» – это ответ художника и человека, на ангажированное искусство соцреализма.
Под другим углом зрения, на языке иной изобразительной интонации обозначен летний день в динамичной композиции «У ворот»(1976) [илл.8] кисти советского латвийского художника Петериса Пауловича Постажа (1940 г.р.), выпускника Латвийской академии художеств. Живопись Постажа отличается повышенным вниманием к цвету при создании образа и формы. Художника интересует не столько отдельная человеческая личность, сколько бурный, экспрессивный поток жизни и истории. Эмоциональное напряжение, с которым играют в мяч персонажи его картины передано через экспрессию света и цвета.
В настоящее время Петерис Постаж активно экспонирует свои работы в родной Латвии, России, Литве, Финляндии, Швеции, Италии, Германии, Австрии и в других странах, великодушно дарит свои работы историческим и художественным музеям, храмам и другим учреждениям.
Белорусская земля воспета народным художником БССР, Леонидом Дмитриевичем Щемелёвым (1923 г.р.) в монументальном пейзаже «Река Ясельда»(1981) [илл.9]. Тема Родины, любви к своей земле и людям звучит в каждой его работе, будь то пейзаж, портрет или тематическая картина. Леонид Дмитриевич Щемелёв – выдающийся мастер XXI века, жизнь и судьба которого – пример исключительного человеческого и творческого долголетия, стойкости и верности избранному пути.
На данный моментЛеониду Дмитриевичу исполнилось уже 96 лет, возраст немалый, но поразительная работоспособность вероятно и помогла ему сохранить жизненное и творческое долголетие. Его творческое кредо – превыше всего в искусстве, правда, для выражения которой художнику необходима свобода творческой воли, а не слепое следование навязанному канону, стилю или идеологии. Таким он был всегда. Собственный язык выразительности, форму существования в изобразительном искусстве он выработал для себя сам. Его искусство актуально даже в среде молодых художников. Эксперименты, новаторство – эти определения не для него, потому что такой задачи он для себя не ставил.
Пейзаж «Река Ясельда» – это эпический, всеобъемлющий сказ о родной Белоруссии. В картинах Л.Д. Щемелёва всегда много пространства, оно информативно. Земля, как небо, а небо как земля, и каждый мазок, линия соединяют эти два пространства: полёт птиц, одинокое дерево, лента реки, и за всем этим – люди, как часть земли и её природы. Это сам художник пророс своими корнями в родную землю и держит небо деревом, похожим на кисть живописца. Эпический сказ о родной земле слагают художники разных национальных школ.
Молдавское искусство представленно на выставке произведениями художников диаметрально противоположных, как по способу видения реального мира, так и по средствам выражения отношения к нему. Старейшие мастера, народный художник МССР И.Д. Жуматий, народный художник МССР Э.Д. Романеску, народный художник МССР И.Д. Виеру, В.Н. Слободзинский в своём творчестве остаются верными реалистической школе изобразительного искусства. В пейзажах и натюрмортах молдавских живописцев, А.Н. Григораша, Д.П. Пейчева, Л.К. Цончевой действительность теряет свои привычные очертания, в них звучат эпические ноты, впечатление о которых эти художники переложили на образный язык импрессионистический живописи.
В картине молдавского художника Виталия Петровича Тисеева (1935 - 2010) «На колхозных просторах» (1975) нашло своё отражение лето трудовое, сенокосное, пропахшее спелыми пшеничными колосьями, человеческим потом, жарким зноем, смешанным с клубами душного дыма «железных коней»: комбайнов, тракторов, машин. Художник говорит нам, что именно таким благодатным трудом славиться человек, живущий на этой земле. Тема прославления труда была той силой, объединившей народы некогда большой страны, Советский союз. Но в творчестве Виталия Тисеева тема труда раскрывается иначе. Она поэтизируется утончённой трактовкой образов, напоминающих лики с картин старых мастеров. Своеобразная же манера письма, без размашистых мазков, сохраняет старинную технику живописи маслом и исключает получение случайных цветовых эффектов. Всё выверено и продуманно настолько, что создаётся впечатление, будто художник творит не в эпоху стиля «соцреализм», а во времена Питера Брейгеля, и смотрит на современный ему мир сквозь призму искусства прошлых веков. Реализм Тисеева утончённо – поэтичный, он идёт от любви к истинному искусству. А общий зеленоватый колорит картины, подёрнутый золотисто-охристой поволокой, как бы «замедляет» бег времени, дарит чувство летней благодати и радости жизни.
Изобразительное искусство Приднестровья исторически связанное со стилем «соцреализм», всё же индивидуально, разнообразно и интересно, как по своему содержанию, так и по пластическому выражению. Направления и тенденции развития мирового изобразительного искусства, несомненно, влияют на формирование приднестровской школы. Хотя территориальная изоляция нашего государства поставила художников в ситуацию, когда они вынуждены искать источник творческих сил внутри самих себя, в родной природе, в многонациональной народной культуре Приднестровья. Тому есть яркое подтверждение. В состав выставки вошли произведения ведущих художников Приднестровья, М.И. Руденко, А.И.Колчака, Е.Ф. Иовицы, С.Г. Панова, И.М. Антонюка, А.М. Покусинского, О.Д. Герасименко, В.А. Фрумусаки, А.В. Дейнекина.
Два натюрморта заслуженного работника культуры ПМР Михаила Ивановича Руденко (1938-2012) «Дары приднестровского края»(1999) и «Виноград и арбуз»(1998) [илл.10] продолжают летнюю тему выставки. Художник - педагог, он всю свою творческую жизнь оставался верен реалистическому искусству, в котором находил неисчерпаемые возможности для постоянного совершенствования мастерства и развития таланта. Его натюрморты, напоённые теплом и светом, источают тонкий аромат и проливаются сладким соком созревшей дыни, винограда, арбуза. В это веришь, это ощущаешь. Художник писал сердцем наполненным любовью к родной земле, к её талантливому народу. М. И. Руденко был абсолютно летним художником, который даже в холодный зимний день умел согреть каждого своим добрым сердцем и искренним отношением.
Экспозиция этой выставки полна контрастных стилевых столкновений не только внутри произведений, но и в их колористическом созвучии. Это даёт возможность обострить зрение, увидеть незамеченное ранее.
Тематический портрет «Лестницы жизни»(1979) [илл.11] Дейнекина Анатолия Васильевича (1946-2015), члена Союза художников ПМР,как и каждая его работа – это художественный образ, размышление о жизни. Пространство, напоминающие цирковую арену, является ареной жизни. Человек, в одежде Арлекина – это персонаж жизни, явно неуспешный. Поднимающиеся вверх лестницы под разными углами – это лестницы судьбы: прямые, накренившиеся, упавшие – это символы удач и неудач. В целом работа – это размышление о жизни и судьбе, исполненная в декоративной манере. В декоративный радостный цветовой строй вносят напряжение резкие геометрические ритмы, что раскрывает калейдоскоп жизни со всеми положительными и отрицательными нюансами.
Его работы всегда открыто декоративны. Будучи студентом Ленинградского института театра, музыки и кинематографии, он увлекся художниками-авангардистами и этот во многом определило его манеру письма – театрально-выразительную.
Произведения Олега Герасименко (1944 г.р.), заслуженного художника ПМР – это «живопись эмоций». Он относится к той категории приднестровских художников, работы которых всегда узнаваемы и выполнены в авангардном стиле.
Работа «Вечерняя Одесса»(2004) [илл.12] из их числа. В этом городе некоторое время жил художник. Городской пейзаж выполнен в экспрессивной манере. В центре – оживленный городской перекресток с едва намеченными фигурами людей, слева и справа – очертания невысоких домов, и всё это отражается на мокром асфальте.
Так же как и американский художник, Джексон Поллок, который был ведущей силой абстрактного экспрессионизма во второй половине 20 века, он отдаёт предпочтение спонтанному творчеству, в котором всем управляет случайное и бессознательное.
Проводя сравнительный анализ произведений только одной выставки, названной за свой неоднозначный состав, «Оранжевый уровень», можно сделать любопытные выводы о том, как разные стили и направления изобразительного искусства влияют друг на друга, как среда и общественное мировоззрение формируют творческую личность. Представленные произведения в полной мере доказывают, что появление нового стиля в искусстве – явление сложное и неоднозначное, зависящее от объективной реальности того или иного исторического периода, но субъективно зависящее и от личности художника.
Не бывает чётких границ у двух морей, чьи воды неразделимы, их разделение – привилегия географических карт. Так и исторически сложивщаяся биография искусства, берущая своё начало от момента появления человеческого мышления, меряется временными и общественными эпохами объективно существующей реальности. Произведение изобразительного искусства – реальность, отраженная и преломлённая сквозь личность художника, а стиль – просто метод, инструмент, который он иногда открывает самостоятельно.
Теория изобразительного искусства – наука особого, духовного, порядка, имеющая невероятное множество терминов и категорий, область знаний небольшого числа специалистов, изучающих проблемы искусства. Но объекты изобразительного искусства – результат духовного и физического труда реального художника, со своим мировоззрением, средой обитания и культурой. Как определить ценность или первенство в искусстве? Одной совершенной техники и мастерства тут мало. Только зритель, сторона воспринимающая объект искусства, обладающая духовной культурой выносит окончательный вердикт. А неумолимое время, как часто случается, превращает непонятое современниками произведение в шедевр.
Перед музеями изобразительного искусства стоят задачи разные: собрать, изучить и сохранить духовные сокровища человечества, сделать их доступными для зрителей. Для этого музеи организовывают разнообразные выставки: как масштабные, с охватом какого-либо большого исторического периода, международные и всемирные, так и камерные авторские, представляющие узкое направление в искусстве. Любая выставка изобразительного искусства выполняет высокую миссию взаимного одухотворения человека и представленного произведения, раскрытия творческого начала человека и развития бесценного созидательного импульса, без которого человек немыслим.
Лазарева А.П.,
искусствовед – эксперт ГУ «ПГХМ»
Литература:
1. «Государственная Третьяковская галерея. Каталог живописи XVIII – начала XX века (до 1917года)», М., «Изобразительное искусство», 1984 г.
2. Чибук Г.С. Буклет к 35 летию «Республиканская картинная галерея им. А.В. Лосева». РКГ, Бендеры, «Полиграфист», 2006 г.
3. Шабардина Т.К. «Научно – архивное дело по выставке из фондов ПГХМ «Оранжевый уровень» № 555, 2019 г.»
Ссылки:
4. http://www.zolotayapalitra.ru/Article/119/Современное искусство
5. http://sosni-art.narod.ru/art/artweb_521.html Валентин Челомбиев
6.http://artchiv.ru/artists/20689~Viktor_Semenovich_Kazarin
7.http://www/n-vatagin.ru/Start/html Николай Ватагин
8. http://aslend62.livejournal.com/7412/html Вармо Пирк